A principios de los noventa, en España el hip hop atravesaba por un momento de incertidumbre total. La explosión rap de finales de los ochenta, reflejada en los recopilatorios "Rap´in Madrid" y "Rap de Aquí" (ambos publicados por Ariola en 1990), había resultado más una maniobra comercial de las multis por aprovechar el filón de una moda pasajera basada en estereotipos que un movimiento real. La verdadera historia comenzó con la segunda ola de rap español formada por grupos como Foreign Nation y Mission Hispana en Zaragoza, El Club De Los Poetas Violentos en Madrid, Eat Meat y 7 Notas 7 Colores en Barcelona, y Parafünk en San Sebastián, que demostraron que era posible hacer rap creíble y de calidad en castellano.

Uno de los primeros álbumes de aquella nueva hornada fue “Parafünk”. Publicado en 1993 por La Fábrica Magnética (un año antes que el "Madrid Zona Bruta" de CPV, comúnmente considerado como el primer disco español de rap “real”), el disco supuso un soplo de aire fresco e introdujo el rap de espíritu más abierto y fiestero en el panorama nacional. Hoy, quince años más tarde, se ha convertido en uno de esos clásicos injustamente olvidados. Visitamos a Javi Pez, Javier Vicente Calderón de nacimiento y MC Pez en el 93, en su estudio de Pasajes (Guipúzcoa) para que arroje algo de luz sobre la historia del mítico álbum. "Será mítico porque tiene muchos años, porque por otra cosa…”(risas).

Antes de formar Parafünk, Pez ya había tocado desde 1985 en grupos de guitarras como En el Jardín, 23 Ojos de Pez y Vitaminas. "Yo venía del pop pero también de escuchar mucha música. Por ejemplo, cuando se acabó 23 Ojos de Pez, lo que más hacía era ir a fiestas acid house. Nos introdujimos en la música negra por los grupos pop ingleses como Orange Juice, oíamos mucho soul y funk. También nos gustaban DAF, Kraftwerk y el electro. Yo ya había escuchado hip hop pero no estaba muy metido. El detonante fueron el "3 Feet High and Rising" de De La Soul y el "Takes a Nation of Millions to Hold Us Back" de Public Enemy, era algo nuevo y fresco. Luego ya empezamos a sumar: Jungle Brothers, Queen Latifah, etc".

A través del hip hop, Pez descubre un nuevo lenguaje musical: "De repente era como una nueva forma de expresarse, me apetecía rapear o, bueno, recitar. Y con el sampler de repente tenías la posibilidad de componer de forma más imaginativa, coger tus discos y juntar cachitos". En 1990, forma Parafünk junto a su amigo Dj Peio. "Él tenía un bajo y yo una caja de ritmos. Empezamos a tocar juntos y a rapear. En realidad, Parafünk era yo solo, Peio era la Posse" (risas).

Pronto saldría a la calle la maqueta, donde ya estaban las canciones del álbum, con excepción de la "La Calle" y "Caracas". "La maqueta tuvo bastante aceptación y ganó el concurso local DVorame en 1991". La carátula listaba las fuentes de las muestras utilizadas; puede que el resto de grupos también samplearan a Stevie Wonder o los JBs, pero a Tom Waits y Was Not Was seguro que no, y probablemente a los Beatles y Sarah Vaughan tampoco.

La cinta no tardó en llegar a manos de Servando Carvallar, ex-Aviador Dro y propietario del sello madrileño La Fábrica Magnética, quien propuso a Pez grabar un disco. Pez firmó el contrato en septiembre de 1991, sin embargo no comenzó a grabar hasta verano de 1992 porque se instaló una temporada en Caracas, donde había planeado hacer un curso de cine. "En Caracas descubrí la música latina, una influencia muy grande, sobre todo los vientos y la percusión".

Mario Gil, ex-teclista del grupo tecno-pop La Mode y productor, fue el encargado de dar forma al disco junto a Pez. "La grabación fue más larga que un día sin pan. Pasamos más de un mes en casa de Mario programando las bases y otro grabando y mezclando en el estudio". Poco meses antes, Gil había participado en la grabación del LP “¿Brothers?” de Foreign Nation, aún así no acabaron de entenderse: “Mario se lo curró pero yo habría necesitado un productor inglés, alguien con otra visión".

A pesar de todo, el resultado final fue más que digno y, de todas formas, nadie en España podría haber hecho que "Parafünk" petara como un disco del sello Jive. Pez recuerda la sensación de impotencia: "Me acuerdo cuando volví en autobús a San Sebastián con mi walkman, el cassette de mi disco y el primero de Omar en el sello Talkin´ Loud. Puse primero el de Omar y después el mío, y pensaba esto es mierda, qué mal suena, con esta gente no se puede competir…”(risas).

El álbum apareció finalmente en junio de 1993. A pesar de que los temas tenían más de dos años, su sonido y actitud en la línea del colectivo niuyorquino Native Tongues eran una novedad en España. Hits instantáneos como "Amara", himno dedicado al barrio natal de MC Pez, o el disco-rap de "F.S.N." se alternaban con canciones como "Carne Joven", “La Calle” y "Revolución (de los techos altos)" inspiradas en el pop inglés, el soul clásico y el acid jazz. La influencia latina se dejaba notar en algunos arreglos y en canciones como “Caracas”, con aquel sampleo infinito de Héctor Lavoe.

La falta de medios independientes hizo que su repercusión fuera limitada, de todas formas el disco fue bien acogido tanto por la prensa como por el público. Tras dos conciertos de presentación en San Sebastián y Madrid, Parafünk formaron parte de la gira Rapadelia´93 junto a los barceloneses Eat Meat y 7 Notas 7 Colores. Por desgracia, la promo se vió resentida por la mala situación financiera de La Fábrica Magnética y un desinterés progresivo del sello, que acabó desapareciendo.

Parafünk nunca se esforzaron por definir su sonido o pertenecer a una escena: “Eramos muy pop para ser hip hop, hacíamos pop hop” (risas). “En realidad, a mí aquella música me gustaba porque consistía en samplear soul y funk viejo, pero yo no distinguía entre funk y rap. Por eso el grupo evolucionó hacia otro sonido más cercano a Prince, Sly y el soul de Filadelfia”. Puede que ésta sea la razón de que un grupo tan fundamental no haya recibido el trato que se merece con el paso del tiempo, pero así son la mejores historias.

Escucha el disco AQUÍ.

Web de Javi Pez con su discografía y tal: www.3ok.info y su Myspace

Hola Jason! En primer lugar, gracias por aceptar esta entrevista. Gracias a Internet y la globalización en general, tu trabajo llega a todas partes del mundo. ¿Te sorprende que unos chicos como nosotros del otro lado del charco te escriban pidiéndote una entrevista?
Sí, un poco, pero es algo realmente guay por lo que estoy agradecido.

Cuéntanos, ¿cuando decidiste crear The Small Stakes? ¿Por qué llamaste así a tu estudio?
The Small Stakes tiene 4 años. Empecé serigrafiando y diseñando carteles hace 5 o así , pero al año de estar haciéndolos decidí montar el estudio. El nombre viene de una canción del grupo Spoon; una canción que trata sobre probar suerte. Encajaba muy bien para mí en aquella época, cuando monté el estudio.

Cómo ha surgido esta ola de estudios y diseñadores como The Heads of State, Aesthetic Aparatus o Patent Pending? Estudios que reivindican el cartel como medio de expresión y que lo han llevado a una nueva época dorada en Estados Unidos. Por otra parte, muchos de estos estudio utilizan la serigrafía como medio de reproducción. Todo este movimiento te animó a crear The Small Stakes?
Sí, mucho, la verdad. Ver el trabajo de Aesthetic Apparatus y Patent Pending me influenció mucho. Siempre veía sus trabajos en los anuales de diseño cuando iba a la escuela y sus diseños me marcaron mucho en aquella época, especialmente porque hacían cosas en el campo de la música y la mayoría de los proyectos que elegí en la escuela estaban relacionados con la música.

Creemos que en esta nueva ola de diseñadores hay muchísimo talento. Tú eres uno de nuestros favoritos, la verdad. Quienes son los diseñadores dentro de esta corriente, y en general, que más te inspiran hoy en día?
Uno de mis diseñadores favoritos es Dirk Fowler de F2 Design, con ideas muy claras y concisas en su trabajo. Sus carteles son “letterpressed” (impresión directa de tipos de metal o madera sobre papel) y combina de forma asombrosa el concepto de los carteles con su particular saber hacer, su ejecución. Mi inspiración suele venir por el tema dado y con los carteles eso me lo proporciona generalmente la propia música y el mensaje o feeling general de la banda.

Y en cuanto a diseñadores clásicos, cuáles te han influenciado más? Cuáles son los diseñadores cuyos trabajos te hicieron decirte “quiero dedicarme a esto”?
En cuanto a diseñadores clásicos, siempre me ha gustado mucho el trabajo de Paul Rand, Saul Bass y otros diseñadores de esa época. Lo que me gusta de sus diseños es la forma en que estos diseñadores usaban las formas y los colores, permitiendo que las ideas se mostraran claramente. Realmente no conocía mucho el trabajo de estos diseñadores durante la escuela y por aquel entonces, no tuvieron mucha influencia sobre mi trabajo. Los diseñadores cuyo trabajo más me influenció fueron Jeff Kleinsmith, Aesthetic Apparatus, Art Chantry, así como otros diseñadores currando en el campo de la música. También me influenciaron los gráficos de tablas de skate.

Creemos que tienes un estilo bastante definido, por la elegancia de tus carteles y la escasez de elementos que utilizas en ellos, consiguiendo así que el espectador se centre mucho en el mensaje que quieres transmitir. Realmente, tus diseños tienen un fuerte componente poético no es así? Los juegos que haces combinando objetos, formas o tipografía caracterizan en gran medida tu trabajo. Siempre has tenido claro qué estilo querías desarrollar y la forma en que querías ejecutar tus ideas?
No exactamente. Es verdad que muchos de los trabajos que hago ahora tienen ese “aire” de limpieza y sencillez, pero en mis primeros curros trabajaba sin tener una idea clara en la cabeza a nivel de concepto, pensando únicamente en la estética que quería conseguir, con resultados bastante diferentes a lo que hago actualmente. Ahora trato de trabajar más la combinación entre la idea y la estética y si el trabajo lo requiere, no tengo problemas en alejarme de mi estilo habitual para conseguir cosas nuevas.

En general, cómo es el proceso de creación de tus carteles? Sueles tardar más en llegar a la idea que quieres transmitir, o luego en ejecutarla?
En general, empiezo haciendo borradores tratando de dar con una imagen o concepto que funcione. Muchas veces, paso más tiempo pensando en el concepto del cartel que en su posterior ejecución. Suelo andar saltando del borrador (en cuadernos) al ordenador y viceversa, probando de forma más rápida y chapucera mis ideas, hasta que creo que he dado con la buena, y entonces, la rehago de forma definitiva.

Leímos por ahí que en tus anteriores curros ya trabajaste como serígrafo no? Qué tiene la serigrafía? Siempre has serigrafiado tú los carteles de The Small Stakes? De esta manera controlas todo el proceso de creación, no es así?
La verdad es que no empecé a serigrafiar hasta que comencé a diseñar mis carteles. Cuando me trasladé a Oakland, trabajaba en una tienda que serigrafiaba camisetas. No trabajaba serigrafiando pero aprendí el proceso básico y entonces, empecé a hacer mis primeras pruebas sobre papel en casa. Ahora también hago serigrafías para otra tienda que se llama Bloom Screen Printing aquí en Oakland que pertenece a un amigo.

El cartel es el medio en el que más te gusta trabajar? Porque también haces portadas de discos o camisetas entre otros.
Hago todo tipo de trabajos como diseñador pero los carteles es lo que empecé haciendo y es el medio que prefiero, en el que hago mis mejores trabajos. Sin embargo, como te digo, me gusta también realizar otro tipo de trabajos porque está guay tener nuevos retos. Últimamente, he estado haciendo bastantes ilustraciones para revistas, con lo que he disfrutado mucho también. Creo que, de alguna manera, todos mis trabajos se alimentan entre sí y están relacionados.

Antes hablábamos de la globalización y la difusión que tiene tu trabajo en Internet. Esto te ha permitido recibir encargos de otros países? De Europa o Asia, por ejemplo?
Sí claro, creo que mi forma de trabajo no existiría como tal sin Internet.

Tienes la suerte de haber hecho carteles para grupos fantásticos como The Shins, Death Cab For Cutie o Broken Social Scene. Qué relación tienes con ellos? Valoran tu trabajo?
Los grupos me dan libertad total para hacer lo que quiera, aunque me lo tienen que aprobar antes de imprimirlo, claro. Cuando trabajo, siempre tengo a los grupos en mi cabeza intentando dar con una imagen adecuada para ellos que funcione como introducción a lo que hacen. Son el cliente, así que como para cualquier otro trabajo de diseño, trato de conseguir algo apropiado para ellos que funcione.

Nada más Jason. De nuevo, muchas gracias por aceptar esta entrevista. Esperamos que todo te vaya guay y que sigas haciéndonos disfrutar con tu trabajo.

Reid Miles (1927-1993) nació en Chicago el 4 de Julio de 1927 pero dos años más tarde, a raíz de la crisis económica de 1929, él y su familia se trasladaron a Long Beach, California.

Tras acabar el instituto, se alistó en la marina pero pronto la dejó para ir a Los Ángeles e inscribirse en el Chouinard Art Institute. Poco después se trasladó a Nueva York en busca de su primer trabajo, que vino con la oportunidad que le brindó John Hermannsader. Casualmente, entre sus clientes, John contaba con Blue Note, hecho que provocó el primer contacto de Reid con el sello.

Muy pronto Alfred Lion y Francis Wolff, fundadores de Blue Note, vieron el gran talento de Reid Miles y en 1956 lo contrataron como principal diseñador del sello.

Blue Note Records fue fundado en 1939 por un judío alemán exiliado y apasionado por el jazz, llamado Alfred Lion. A finales de se mismo año se unió a él su amigo de la infancia y fotógrafo Francis Wolff. Su espíritu vanguardista, así como su profundo respeto por los músicos y el compromiso artístico por encima del económico, hicieron de Blue Note el sello de jazz de referencia de las siguientes décadas. Este espíritu hizo que en sus estudios se grabaran discos que renovarían completamente el jazz.

Alfred Lion y Francis Wolf hacían hincapié en la importancia de cada detalle y la perfección en todos los sentidos. Tanto es así que Blue Note era el único sello que pagaba a sus artistas por ensayar. Además, en cuanto Alfred Lion notaba que una grabación no salía como él esperaba, la desechaba de inmediato para empezar una nueva. La importancia atribuida al diseño de las portadas también era muy grande ya que sabían que antes de escuchar la música, vemos una imagen, la de la portada. Y la imagen que se asociaría a Blue Note era la del trabajo de Reid Miles.

A lo largo de los 11 años (1956 a 1967) que Miles trabajó para Blue Note diseñó alrededor de 500 portadas que dieron al sello un estilo de referencia único y moderno. Este estilo se ha convertido en uno de los más copiados (los primos también lo copiamos!!!). Innumerables discos de hip hop, acid jazz y nuevas producciones de jazz rinden tributo en sus portadas a aquellos vinilos que tanto les han influenciado.

Reid Miles combinó la fotografía, el color y la tipografía de una manera nunca vista hasta entonces que reflejaba perfectamente el alma de la música que se encontraba en el interior de las portadas.

Las posibilidades que las tipografías y su imaginación le ofrecían parecían infinitas. Sabía como nadie sacar partido de una buena tipografía, transformándola y adaptándola de tal manera que conseguía crear unas composiciones únicas que reflejaban el carácter rítmico del jazz y su grandeza.

Trabajó mano a mano con Francis Wolf, cuyas excelentes fotografías transmiten fielmente el intenso ambiente de las sesiones de grabación. Eran fotografías dinámicas tomadas con cierta espontaneidad y llenas de vitalidad, que Miles supo aprovechar en su trabajo. No encuadraba las fotografías de forma tradicional y, por otra parte, recortaba los retratos, cosa que a Francis Wolf (el autor) le irritaba pero que transmitía el estilo dinámico de las portadas. Un recurso muy utilizado por Miles, que se convirtió casi en su firma, era imprimir las fotos en hermosas bicromías.

Hay que destacar también el trabajo del propio diseñador como fotógrafo ocasional ya que algunas de las fotografías más hermosas fueron tomadas por él mismo.
Ocasionalmente, Reid Miles empleó trabajos de otros artistas como en el caso de Andy Warhol, quien ilustró con un delicado dibujo una grabación del guitarrista Kenny Burrell. Hablando de Warhol, podemos destacar también la visible influencia del pop art en muchas de sus portadas.

Paradójicamente, este diseñador nunca apreció demasiado el jazz y la música de Blue Note. Amante de la música clásica, canjeaba los coloridos discos que él mismo diseñaba, por discos de Bethoven o Bach.

La etapa de Miles posterior a su trabajo para Blue Note nunca superó el grado de genialidad alcanzado con sus trabajos para el sello. Tras la muerte de Alfred Lion y Francis Wolf, el destino del sello en los años 70 era incierto pero, afortunadamente, fue adquirido por Capitol Records. De esta manera se reeditó el catálogo de Blue Note completo (con las portadas de Miles) y la imagen de las nuevas referencias del sello han seguido el estilo de los diseños de éste. La obra de Reid Miles constituye unos de los más interesantes y expresivos aportes hechos al diseño gráfico del siglo XX.

Entrevista que hicimos a Ibon Errazkin a finales de 2003.

Para celebrar la inauguración de la web, hemos entrevistado a uno de nuestros gurús musicales: Ibon Errazkin. Ibon ha formado parte de numerosos grupos y proyectos desde finales de los 80: Aventuras de Kirlian, 23 Ojos de Pez, Le Mans (con los mismos componentes de Aventuras: Teresa, Jone, Peru, más Gorka), Daily Planet, Instrümental… hoy en día publica discos con su propio nombre y, entre otras cosas, produce trabajos de otros artistas como Nosoträsh o Carlos Berlanga.
Ibon se ofreció amablemente a realizar la entrevista y tomar algo con los primos en la terraza del Udaberri. Nuestro amigo Xabi Loreak se unió a la mesa y así fue como transcurrió la conversación.

Primo: ¿Qué tal todo, estás contento con tu nuevo disco Escuela de Arte (Elefant 2003)?
Ibon: Sí, de las veces que más. Es un disco que grabé hace ya un año y que estuve mezclando con mucha calma. La verdad es que me suena ya muy viejo, hay muchas cosas que están en el disco que no es lo que me pondría a grabar ahora pero eso pasa siempre. Lo que ocurre es que tardo mucho en preparar los discos que estoy haciendo. Podría haber empezado a grabar Escuela de Arte hace 3 o 4 años pero, como no tenía prisa, me llamaban, por ejemplo, Nosoträsh para producirles su disco y no me importaba aparcar el mío seis meses. Por eso, hay canciones en el disco que tienen ya unos años y ahora mismo tengo la cabeza con otras ideas. Hay una época, justo cuando acabas de hacer un disco, que es muy creativa porque dejas de pensar en canciones en las que llevas trabajando un año y es una especie de liberación.
Escuela de Arte, por ejemplo, fue como una reacción a mi primer disco en solitario (Ibon Errazkin, Elefant 2000) que era tan duro y tan crudo. Tenía muchas ganas de volver a hacer algo mucho más suave, más acústico.
Además, una diferencia grande con respecto a otros discos es que, desde hace más de un año, estoy trabajando con el mismo técnico en el mismo estudio y eso se acaba notando porque aprendes a mezclar y te familiarizas con tu propia escucha.

Primo: Además, has repetido con los músicos de tu anterior disco, ¿estás a gusto con ellos no?
Ibon: Sí, he repetido con todos. No somos como un grupo que ensaya todas las semanas durante años. Sólo ensayamos para grabar y eso también está bien. Antes con Le Mans y con Daily Planet era muy maniático y controlaba lo que hacía todo el mundo pero esta vez les dije que tocaran como quisieran, a su manera. De hecho, creo que las canciones del disco no son muy distintas a las que hacía con Le Mans pero como éstos las tocan de otra manera, más rockera, hace que suenen bastante diferente.
Primo: ¿Ellos tienen también otros grupos no?
Ibon: Sí, Murky, el guitarrista, y Momonje, que es el batería, estaban en Patrullero Mancuso, un grupo que me encantaba. Olaf, el bajista, es un chico que dibuja muy bien y toca en Solex, un grupo noise de Madrid. Es gente que conocí cuando fui a vivir a Madrid y nunca pensé que les hubiera apetecido trabajar conmigo porque yo tocaba en Le Mans, que era un grupo con muy poca credibilidad entre la gente rockera.

Primo: Parece que cuando dejaste Le Mans tenías muchas ganas de experimentar y de cambiar de aires.
Ibon: Sí, pero creo que, de todas formas, en la última época de Le Mans también hacíamos cosas que eran más experimentales aunque, como grupo, teníamos un estilo de tocar muy lento y muy suave. No me debería de importar nada, pero me daba un poco de rabia que la gente nos clasificara mucho y que, a pesar de que hiciéramos cosa diferentes, dijeran siempre que lo que hacíamos era naïf, minimalista.

Primo: Hablando un poco de Le Mans, alguna vez has dicho que no estabas contento con el resultado del disco Saudade (Elefant 1995), ¿ porqué?
Ibon: Me da mucha pena como quedó el Saudade. Era un disco muy ambicioso y lo grabamos en el estudio De Lucas que, quizás, no era el más indicado para lo que queríamos hacer. Entresemana (Elefant 1994), en cambio, también lo grabamos en De Lucas pero queríamos que tuviera un sonido más sencillo y agradable y creo que sí quedó bien. En Saudade buscábamos muchos sonidos graves con el celo y el bajo muy presentes sobre la guitarra y eso era más difícil de lograr en un estudio así. De todas formas, como canciones, es el disco de Le Mans que más me gusta. Ahora se va a masterizar el disco (en su día salío sin masterizar) porque se va a reeditar todo lo de Le Mans otra vez, y algunas canciones han ganado mucho, creo que el Saudade ha mejorado y suena mejor ahora.
Xabi: Para mí, la portada del Saudade es la mejor de Le Mans.
Ibon: Sí, la verdad es que es muy buena.

Primo: ¿Te encuentras cómodo como productor de tus discos?
Ibon: Sí, además, como os he comentado, trabajo con un técnico con el que consigo llevar a cabo las ideas que tengo en la cabeza. Mezclar en un estudio es muy estresante porque el tiempo es limitado y no sabes si va a sonar como esperas. Escuela de Arte lo mezclamos en casa y estuvimos de Enero a Marzo quedando dos o tres horas todos los días y eso es un lujo. El peligro es que en tu casa nunca acabas de mezclar porque te rallas, llegas a hacer siete mezclas… y tienes que saber parar.

Primo: ¿Qué tal trabajando para publicidad, películas…?
Ibon: Sinceramente, los trabajos para publicidad los hago por dinero, no es nada gratificante. Parece que tienes que copiar cosas ya hechas, es muy poco espiritual. En cuanto ellos (los que le encargan el trabajo) están satisfechos les paso la factura, es cero artístico por mi parte. De todas formas, es peor una banda sonora porque acabas haciendo una música que a tí no te gusta, que es la que en realidad haría el director si él supiera tocar. Nunca he tenido excesiva libertad para hacer este tipo de trabajos. Hacer música para que acompañe imágenes me parece frío, un poco triste. Muchas veces dicen que mi música es bastante cinematográfica pero no lo hago de forma consciente.

Primo: ¿Hicistéis algún videoclip para Le Mans?
Ibon: Sí, hicimos uno para una versión corta de la canción "Todo va mal", de nuestro último disco (Aquí Vivía Yo, Elefant 1998)), y es una chulada. Lo hizo Grabiel Ibañez, son imágenes con cartulinas haciendo figuras geométricas… además, está grabado en super 8, tiene una textura muy bonita. Olaf también va a hacer un vídeo para la canción "Sunday Sahara Spain" de mi último disco.

Primo: ¿Te parece que en la música ya está todo hecho?, ¿No crees que en la música pop y rock innovar pasa por hacer una producción diferente?
Ibon: Que va, a mí me parece que queda todo por hacer en música.
Xabi: ¿No os acordáis del tema que pinchó el otro día Ibon en el Elektronikaldia? Estábamos todos flipados preguntándonos que sería eso.
Ibon: Eran los Boredoms, un grupo japonés. Cuando pensé que ya no podía haber nada nuevo bajo el sol conocí este grupo. Son muy buenos, llevan tocando desde finales de los 80 y han sacado 10 o 15 LPs.
En mi opinión, a pesar de que los acordes sean siempre los mismos, mientras haya nuevos aparatos, va a haber nueva música. Poco a poco se irán superando los estilos de música que conocemos y saldrán cosas nuevas. Ahora también gracias a las reediciones en CD o a internet, todo el mundo tiene mucho más acceso a todo. Me acuerdo que en los 80 no escuchábamos música que no fuera de los 80, fue más tarde cuando empezamos a poder comprar cosas de los 60 o 70.
Xabi: Ahora creo que hay un exceso de información brutal, hay gente que va a acabar pasando de todo, que preferirá no saber nada de nada.
Ibon: Yo pensaba que todo este rollo era un fenómeno de fin de siglo en el que todos los estilos se estaban reciclando y ya no se podrían combinar más entre sí, que saldría una generación de gente de 14 años que sólo hubiera oído Aphex Twin en su vida… (risas), les hablarías de los Beatles y les sonaría como a nosotros Mozart.

Primo: Cuéntanos, ¿cuál fue el primer disco que te compraste?
Ibon: El primer disco que me compré fue el disco recopilatorio rojo de los Beatles, tenía unos 6 años. Vi a los Beatles en la tele y flipé. Mis padres me empezaron a regalar discos y, con 7 u 8 años, ya les pedía el dinero para elegir yo mismo los discos. Fui muy precoz con la música, con 8 o 9 años iba todos los Domingos al quiosco con mi padre para comprar revistas de música como Popular 1 o Vibraciones. Siempre he estado obsesionado con la música, hay discos de David Bowie del 79-80 que recuerdo habérmelos comprado cuando salieron, aluciné mucho con el "Closer" de Joy Division.

Primo: ¿Cuándo empezaste a tocar?
Ibon: Empecé haciendo fanzines y tardé en animarme a tocar algo. Con unos 15 años, hacia el 84, tenía un fanzine que se llamaba Interiores. Comencé a tocar un bajo prestado haciendo versiones de los Cramps y Parálisis en un grupo que se llamaba La Voz De La Inocencia. Más tarde conocí a Teresa Iturrioz (componente de Aventuras de Kirlian y de Le Mans) que se había comprado otro bajo y decidimos hacer un grupo, Aventuras de Kirlian. Los dos queríamos tocar el bajo y los primero seis meses ensayábamos con dos bajos. Dejé de hacer el fanzine porque me daba palo tocar tan mal y encima estar escribiendo de otros grupos locales. Luego entraron Peru Izeta y Jone Gabarain (percusiones y voz, ambos componentes de Aventuras y de Le Mans) y yo me pasé a la guitarra porque alguien tenía que tocarla.

Primo: ¿Dónde te compraste tu primera guitarra?
Ibon: Pues la compré en Musical 72, la tienda que está en el Buen Pastor, al lado del Caravanseray. Era una guitarra eléctrica, la típica imitación de la Fender Stratocaster blanca y negra. Fui a una academia pero lo dejé pronto. A mí lo que me gustaba de verdad era el bajo, me parece tan difícil tocarlo bien. Hay que tener otra mentalidad para tocarlo, Teresa, por ejemplo, la tiene.

Primo: ¿Cuando empezaste a tocar, te planteaste dedicarte a la música en un futuro?
Ibon: No, para nada! Era impensable en aquella época. Con Aventuras de Kirlian, por ejemplo, nunca hubiéramos pensado que íbamos a grabar un disco. En la segunda mitad de los ochenta, sellos de la movida como Dro y Gasa se convirtieron en multinacionales cuando grupos como Dunchan Dhu o Gabinete petaron y bandas como nosotros no teníamos acceso a ese tipo de sellos. A parte, en Donosti había unos grupos alucinantes y tuvimos la suerte de grabar sólo nosotros. Los grupos no aspirábamos a grabar discos, era algo impensable y eso hizo que todo fuera una cosa super artie. Si grupos como 23 Ojos De Pez, La Insidia (más tarde Family) o nosotros tocábamos en Septiembre y repetías repertorio en Diciembre, eras lo peor! Había un nivel de exigencia altísimo, el listón era muy alto y todos los grupos nos dábamos mucha caña, fue una gran escuela. Yo, además de con Aventuras De Kirlian, tocaba en 23 Ojos De Pez con Javi Pez (Parafünk, Camping Gaz, Digi Onze…) y como éramos vecinos estuvimos la primera mitad del 87 quedando todos los días para tocar la guitarra, tocábamos horas y horas y teníamos decenas de canciones. La recuerdo como la época en la que aprendí a tocar la guitarra y, de hecho, creo que luego ya no he avanzado (risas).

Primo: ¿Y a Javi Pez como le conociste?
Ibon: En esa época ibas a un concierto o algo y te quedabas con las pintas de la gente, siempre nos encontrábamos en los mismos sitios. De hecho, creo que Javi y yo nos paramos un día a hablar en la calle sin más, como que ya tocaba. Hicimos 23 Ojos De Pez ( junto con Jon Izeta y Alberto Martínez) y los conciertos que dimos estuvieron bastante bien pero es una pena porque no hay nada muy bien grabado.
Xabi: La verdad es que los conciertos de 23 Ojos molaban. Aventuras De Kirlian, en cambio, erais muy malos en concierto! (risas)
Ibon: Al final mejoramos! (risas), pero la verdad es que éramos malos. Tengo bastantes actuaciones grabadas, una en Musikarte, otra se retransmitió en Radiocadena con Luis Angel… y algunas contradicen esa teoría (risas). Me acuerdo de una actuación que hicimos en 1989 en un concurso en Bilbao, dos meses después de haber grabado el disco de Aventuras, y nos salió la actuación de nuestra vida. Me encontré con un tío que conocía del jurado y me dijo " a mí me ha gustado mucho pero es que tocáis tan mal!" (risas). Yo le dije que la verdad es que nos había salido un poco mal pero, para nosotros, habíamos tocado de perlas! (Risas). Me quedé cortadísimo!
Primo: Se ve que en aquella época todo era más auténtico, que era todo mucho más artie como decías.
Ibon: Sí, además existía un público, los conciertos de grupos locales se llenaban siempre y había dos o tres programas de radio en los que se ponían las maquetas… Javi Pez, por ejemplo, era conocidísimo en Donosti por las maquetas que ponían Ricardo y Forky, este último tenía incluso un top ten de maquetas. Además en los institutos había mucho rollo, muchos conciertos
Xabi: Yo, como espectador, veía que aquí había un nivel altísimo. Lo que escuchábamos en la radio no era ni la mitad de bueno que lo que se hacía en Donosti, existía un movimiento muy importante.
Ibon: Además, era un momento en que en la música española no había nada, sólo algunas cosas muy puntuales como Corcobado, los Coyotes… no había mucho donde elegir.

Primo: Creemos que en Donosti, en estos momentos, es bastante difícil encontrar un buen grupo de pop por ejemplo.
Ibon: Pues en Madrid ahora hay unos cuantos, existe una pequeña escena muy interesante. El sello Alehop está sacando cosas muy interesantes, también esta el grupo Grimorio, Solex, Detergente… Lo que pasa es que es un rollo muy underground como para que salga, por ejemplo, en Rock de Lux. Ahora el listón de lo que se considera alternativo en España ha cambiado mucho. Los Planetas son considerados como el grupo indie por excelencia, imagen de la música alternativa, y ya ves… qué grupo tan rompedor y tan innovador.

Primo: ¿Tienes otros hobbies aparte de tu obsesión por la música?
Ibon: Pues no (risas). No sé, me gusta leer, ir al cine y esas cosas pero eso es muy típico, no voy a decir eso… Realmente estoy muy centrado en la música. Para cosas visuales tengo una falta de sensibilidad bastante grande, voy a una exposición y no me dice nada… la arquitectura… no sé, soy muy insensible para muchas cosas. De pequeño en cambio hacía deporte, era un buen baloncestista. Viví en Madrid una temporada y casi me ficha el Madrid (risas, vaya sorpresa!) pero me volví a Donosti y lo dejé.
Primo: ¿Cómo haces para conocer tanta música, como te has formado musicalmente, como te informas?
Ibon: Siempre me ha gustado mucho leer sobre música, ir a tiendas de segunda mano… además, a mí se me quedan los nombres y si voy al rastro y veo un LP de no sé quien y veo que el productor es el de otro grupo que conozco… siempre me ha gustado hablar de música… es parte de la obsesión de la que te hablaba antes. Tener un disco que no tiene nadie, también existe ese punto de snobismo, como de atracción por cosas raras. Siempre he tenido curiosidad por música de todo tipo, voy a una tienda, veo un disco y me digo "¿eso que será?" y me lo compro.
Primo: Tendrás una cantidad de discos…
Ibon: No tengo tantos… Murky y Olaf, los que tocan conmigo, seguro que tienen muchos más. Yo tendré 2 mil o tres mil pero, teniendo en cuenta que llevo toda la vida comprando discos, no es mucho. De todas formas, cada vez intento comprar menos para oír bien los que tengo porque llega un momento en que te das cuenta de que no conoces discos que tienes, me pasa mucho. Voy por ejemplo a casa de alguien y le digo "qué bueno es esto", luego lo miro y resulta que lo tengo, me pasa un montón.

Primo: Con lo tímido que pareces, que te da palo tocar en concierto… nos sorprende que salgas en las portadas de tus discos, no es un poco contradictorio?
Ibon: No, no.. yo aparte, no soy tímido, no me considero tímido vamos. Lo del disco son cosas que me proponen Teresa (Iturrioz) y Javier (Aramburu) y yo me presto, soy como un campo de experimento para ellos.
Xabi: A tu madre no le parecía muy bien que salieras en las portadas.
Ibon: Sí, a mí madre le parecía impropio de mí, es verdad (risas). Pero eso es porque en casa tampoco te muestras nunca del todo como eres con tus padres, eso es verdad (risas), das una imagen más seria siempre.
Lo de las portadas fue también la gracia de empezar mi carrera como solista, "ahora Ibon Errazkin", molaba con foto… como solista. La portada de los rayos de Escuela de Arte fue una idea de Teresa y de Javier, yo les digo que sí a todo.
Lo que sí me da palo es tocar en directo, más que por timidez, porque me parece duro, no lo paso bien… igual eso sí es timidez, no lo sé. Además, para mí, después de haber estado grabando un disco un año, ponerte a ensayar esas canciones durante meses,,, qué pereza. Tengo el recuerdo de que cuando tocaba en concierto con Le Mans, estaba tan aburrido de esas canciones que no sentía nada tocándolas. Me parecía un poco absurda la situación de estar con toda esa gente enfrente, no sé…
Xabi: Recuerdo una actuación de Le Mans en El Sol (Madrid), es uno de los mejores conciertos que he visto en mi vida.
Ibon: Esa fue de las mejores sí, estábamos presentando el Saudade. Lo que pasa es que veo algo en el rollo de los conciertos que me parece postizo, ni siquiera me gusta mucho ir a conciertos. Me parece como un rito… a mí me gusta cuando alguien se sale del formato. Ahora existe un formato de lo que es un concierto y de lo que es y no es aceptable, y eso es un coñazo. Hubo un momento en que pensé tocar en directo con el grupo del disco pero improvisando, no tocando canciones de los discos, pero es muy difícil… además, eso de viajar en una furgoneta y cargar los amplis no me gusta nada. Te tiene que resultar muy gratificante salir al escenario porque, para mí, todo lo que rodea la vida en la carretera no tiene ningún glamour, la gente lo tiene idealizado, es un muermo.
De todas formas, yo he flipado viendo a grupos en directo y cuando ves un buen concierto es una experiencia salvaje. Viendo, por ejemplo, a Royal Trux en Madrid flipé.

Aunque esta conversación que mantuvimos con Ibon se prolongó un buen rato, es aquí cuando saltó el stop de la grabadora. De todas formas, creemos que la entrevista ya es lo suficientemente larga y que os habréis quedado satisfechos.
Si aún no conoces Aventuras, Le Mans… ni nada de lo que ha hecho Ibon Errazkin no dudes en comprarte alguno de los discazos de su discografía.